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gennaio 2016

Exclusive: interview with Stewart Barbee, cameraman of Star Wars – Return Of The Jedi

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Stewart Barbee – Cinematographer 2001

We live in the age of Star Wars. Well, that sounds a bit obvious, but really, since the first legendary episode came out in 1977, Star Wars has dominated the world. Now that the saga has rediscovered its vigorous magic and success with The Force Awakens, this statement has never sounded truer. The release of this new episode, produced by Disney and directed by J.J. Abrams for the first time, has reignited the passion far and wide around the globe with everyone wanting to say their piece, including us. And so, we asked ourselves, why don’t we consult someone that had an active part in the earlier years of this world-renowned legend? Someone who has breathed the air on the set in the glorious days of the first trilogy, in a period in which the world and film worked in a much different way than they do now.

The Force Awakens, with its energy and brilliance, fearlessly revokes the spirit of that earlier period, while also treasuring the lessons of the last four decades and projecting itself toward a very promising future. This is where Stewart Barbee comes into play. Stewart, an effects cameraman, has had a long and multi-colored career ranging from documentaries to action-packed films (Star Trek II – The Wrath of Khan and The Right Stuff, to name a few) and as the special effects cameraman for Industrial Light and Magic (ILM), he also worked on the Return of the Jedi.

We reached out to him and asked if we could interview him. He accepted with enthusiasm, answering our questions that span from his experience on the set of the Return of the Jedi to his impression of the more recent use of digital technology in the world of cinema and of course his thoughts on The Force Awakens! In the body of the article you will also find photos from the backstage of Return of the Jedi that he has shared with us.

Mr. Barbee, can you please describe how you became affiliated with Star Wars?

I was hired at Industrial Light and Magic (ILM) as an effects cameraman in the early 1980s. ILM was the division of Lucasfilm which produced the special effects for all Star Wars films. ILM began in Van Nuys, California in 1975. After the first Star Wars film, George Lucas moved the company to San Rafael, CA in 1978. He took over a building on Kerner Blvd and this became ILM until the company moved to the Presidio in San Francisco in 2005.

The sign on the front of the ILM building said, “The Kerner Company” and remained this way for all the years ILM existed there. This kept people from wandering in off the street and trying to get a peek at ILM activities and helped the company to keep a low profile. Most people had no idea of what was going on there. I got myself hired during the production of Star Trek II, which mostly involved explosions of star ships for the space battles, etc., although, I also got to film the model of the Enterprise for many of the effects scenes including the warp speed effect. This was very complicated and is a whole other story in itself.

Since I was a local cameraman with years of experience including combat photography during the Vietnam War as well as lots of experience in high speed motion picture photography for sports, I was perfect for the job. I didn’t get jumpy when things blew up and I knew the ins and outs of the high speed motion picture game. So I went to work doing effects for Star Trek II and then started working on Return of the Jedi under the first wizard of Star Wars effects, Richard Edlund, who was primarily responsible for the amazing effects that started the Star Wars revolution. It might seem twisted, but it was fun blowing up all those starships.

What was your task on the set of The Return Of The Jedi?

As an effects cameraman, I would mount a Photosonics high speed 16mm camera on a low plate, pointing straight up from the stage floor. We would mount extra thick optical glass in front of the camera lens and cover the camera and me with several layers of duvetyne (fire retardant black cloth). The pyrotechnic crew would then make different mixtures of substances and chemicals for different effects, color, size, duration, brightness, sparkle etc., which would be placed into balloons and hung by piano wire from the stage ceiling. When the lights were out and the camera was rolling, the pyro guys would explode the devices and then immediately switch on the lights and the grips standing by with fire extinguishers would run over and put out the fire which had dropped directly onto me and the camera.

Needless to say it was an exciting way to spend the day. The daily viewing of these explosions in the screening room brought lots of “oohs” and “aahs” from everyone as they were spectacular. Once we got an explosion that looked just right we would then recreate it using the 35mm VistaVision camera. The reason for this was economical as the 16 mm 4 perf camera was way less expensive to operate than using the 35mm 8 perf VistaVision camera.

This technique, shooting tests in 16mm and then switching to 35mm for the final scene, saved a ton of film and processing costs. I operated in this manner for weeks on end. After this I moved on to shoot effects for Return of the Jedi, which was in full production at that time. Interestingly, the working title for the movie was Revenge of the Jedi until just a short time before its premiere. Someone suggested to George that a Jedi warrior would never take revenge and voila, the name of the movie changed overnight. Some of my favorite memorabilia are the jacket patches and movie poster, which I still have, that say “Revenge of the Jedi”. These are real collectors items, I suppose.

Return of the Jedi - "Luke jumps from Jaba's Barge" Exclusive: interview with Stewart Barbee, cameraman of Star Wars - Return Of The Jedi Exclusive: interview with Stewart Barbee, cameraman of Star Wars - Return Of The Jedi Stewart Barbee George Lucas Empire Strikes Back 1
Return of the Jedi – “Luke jumps from Jaba’s Barge”

What was the hardest scene to shoot on The Return Of The Jedi?

The most difficult shot that I was assigned for Jedi was the scene where the Ewoks release the logs from the tree tops and they swing down through the forest and simultaneously crush a Walker. We constructed a set that looked like the Redwood forest. The log we used for the effect was in reality made from a cardboard tube about ten feet in length as were the forest trees. It was also tapered and larger on the end that faced the camera.

This was to force the perspective to make it look larger and longer. We attached a fine piano wire to the small end and attached the other end of the wire to a step motor which we hung from the rafters at the top of the stage. In this way, we were able to remotely let the log down from the top of the stage in tiny increments, a step at a time, hence step motor. Our first attempts looked promising as we had the correct lens size, camera angle, lighting, etc. We filmed the log swing at a very slow camera rate, frame by frame and stepping the log lower between each camera frame exposed. The problem was that each time we lowered the log by a step, the large (or camera end) of the log, would wobble a tiny bit. This was very perceptible when we viewed the shot in the screening room at normal speed.

This is 24 frames a second. It appeared as though the log was shaking as it swung through the trees. In fact this would never happen with a tree that weighs several tons. In reality, a tree would swing relatively smoothly because of its mass. So we had a major problem on our hands. We tried many different camera speeds and shutter angle combinations. We also experimented with adding weight to the log and different step motor speeds, sometimes waiting minutes between steps for the log to stop wobbling before taking the next step and camera exposure. Nothing we tried seemed to work. We spent days experimenting, and between each shot attempt we would have to reverse the step motor and pull the log back up into the rafters and reset the shot for another pass. On one of these occasions resetting the log,

I noticed that the log did not seem to wobble as the motor pulled it up into the rafters at the top of the stage. I had the stagehands lower the log and pull it back to the rafters several times while I had everyone on the stage crew watch the procedure. We were all convinced that there was no wobble and that the log moved as smooth as silk as it was being pulled up, as opposed to the wobble as it stepped lower.

Convinced, I devised a plan. We would shoot the scene in reverse. I also decided that I wanted the log to swing past the camera lens and in order to get the proper angle I had the stagehands tilt the forest set almost 45 degrees from the stage floor. This changed the camera angle and worked to perfection. I had my camera assistant run a full magazine of unexposed film through the camera with the lens cap on as not to expose the film.

We prepared the camera to shoot in reverse and then pulled the log past the camera, through the forest set, and up into the rafters. So in reality, we filmed this scene in reverse or backwards, tail to head. Upon screening the film as it was projected, head to tail, we had a wonderful result. Absolutely no wobble, the shot was accepted and edited into the movie. “Voila!”

Stewart doing a shot of the Docking Bay in the Death Star where Darth's ship parks and he exits out of the back, down the ramp, while hundreds of Storm Troopers stand at attention. Exclusive: interview with Stewart Barbee, cameraman of Star Wars - Return Of The Jedi Exclusive: interview with Stewart Barbee, cameraman of Star Wars - Return Of The Jedi Stewart in Star Wars Docking Bay Jedi 1
Stewart doing a shot of the Docking Bay in the Death Star where Darth’s ship parks and he exits out of the back, down the ramp, while hundreds of Storm Troopers stand at attention.

Which scene was your favorite to shoot and why?
Really, I don’t have a favorite. Every shot I did was interesting and unique in its own way. One of the most fun, however, was the shot of the demise of the Emperor in the scene where he falls down the shaft inside the Death Star. The background in this scene was a matte painting and a separate element. The Emperor, as he falls away, is actually a fully detailed and articulated doll about 18 inches in length which was wire operated by a puppeteer to move the head, arms and legs. In order to accomplish the effect of his falling we had to make the camera rush away from the doll to create the effect of falling.

We set up a dolly track on the main stage. I had the grips lay the track diagonally across the stage to maximize the distance we could travel. We put the doll in front of a large Blue Screen in one corner of the stage and had the dolly track running away from the doll all the way across the stage to the opposite corner. For technical reasons we had to shoot this scene in real time, 24 frames per second. We used a wide lens so we could start close to the Emperor Doll, and in order to force the perspective. Then on cue, four grips would push the camera dolly away from the doll and to the far side of the stage as fast as they could run.

The camera would of course, accelerate away from the articulated dolly and it would appear as though it was falling away. This was all very good except that by the time the camera dolly, with me operating and the assistant onboard to pull focus, got to the far side of the stage we were traveling at a high rate of speed. As you can imagine, the camera dolly weighs some hundreds of pounds and with the addition of the camera, operator and assistant, this created a lot of mass. So the problem was how to stop the dolly, with camera crew, from crashing into the stage wall at the end of the track.

We made a stack of empty cardboard boxes in the corner and then placed soft foam sheets in front of that to take the impact if we went too far. We also stationed an additional six or so grips at the end of the track to catch the rig as it approached. We made a couple of test runs at half speed and then did a few takes at full speed. This was thrilling to say the least as I was traveling backwards across a dark stage at high speed all the while trusting that we would be caught and stopped before we slammed into the corner of the stage. We came within inches a few times, but the shot came off perfectly and nobody was hurt.

Are you a fan of Star Wars? The Old Trilogy or New Trilogy?

I really was amazed when I saw the original Star Wars for the first time as most of us were. None of us had ever seen anything quite like it before. And, the special effects were so, well, special. This was a combination of very imaginative filmmaking, George Lucas, the ILM Crew and technical equipment, and the VistaVison process. The New Trilogy, being produced not with live action effects but mostly computer effects, just never came close to the look or feel of the original three films.

Stewart sitting in front of the Walker which was crushed by the Ewok's logs. This was an outdoor set with a matte painting in the background. Exclusive: interview with Stewart Barbee, cameraman of Star Wars - Return Of The Jedi Exclusive: interview with Stewart Barbee, cameraman of Star Wars - Return Of The Jedi Stu Jedi 1
Stewart sitting in front of the Walker which was crushed by the Ewok’s logs. This was an outdoor set with a matte painting in the background.

Have you seen The Force Awakens? If so, were you pleased or disappointed in how Disney carried on the Star Wars legacy?

Because I was asked to participate in this interview, I took the opportunity to go see the new film. After seeing most of the prequel and being more or less under impressed with it, I was skeptical of what Disney may come up with.

After all, Disney has its own brand and way of film production. Mickey Mouse, Dumbo, Fantasia, Cinderella, etc. I honestly didn’t think I would be impressed with it any more than with the last three Star Wars films. I can’t tell you how glad I am that you have asked me this question and that it prompted me to go see the film. Wow, I was knocked out, totally entertained and entirely pleased with the result.

To me, to my eye, this film was very much like seeing the original Star Wars back in the 1970s. I was totally pleased with the storyline and the effects. I think Disney did a wonderful job on this movie. It is very unlike me to want to see a film twice, but I enjoyed this film so much that I fully intend to go see it again in order to catch anything I may have missed at my first viewing. I ran into one of my old ILM buddies at the gym the other day and he was as excited and please as I am.

It looked to us that Disney has gone back to doing some live effects, I think this was with the explosions because fire is so difficult to duplicate in CGI rather than entirely computer generated effects. Anyway, it appeared to be a perfect mix of old and new.

In the early eighties, did you imagine the Star Wars saga would endure and grow the way it has in the last decades?

I always felt that the Star Wars story would be popular but I had no idea that it would become as big of a phenomenon as it is today. Star Wars was groundbreaking because of the way the effects were produced, and also because it took an age old story of good versus evil and moved it out into space, which is of course, the new frontier. The storyline itself is as old as mankind, but the way George produced the effects is what really set it apart from everything else.

I mean the story was really just another standard B movie, but with the addition of its unique effects, it became something else altogether and set the trend for everything that was to follow to this day.

Return of the Jedi - "Ewoks release logs to crush Walker" Exclusive: interview with Stewart Barbee, cameraman of Star Wars - Return Of The Jedi Exclusive: interview with Stewart Barbee, cameraman of Star Wars - Return Of The Jedi Stewart Cinematographer 16 1
Return of the Jedi – “Ewoks release logs to crush Walker”

Generally speaking, what do you think about the switching from practical to CGI effects?

Call me a dinosaur, but I have always been a fan of live film effects versus digital or computer effects. I understand the thinking and reasoning for the switch, but my eye can still see and tell the difference.

To me, film has a totally unique look, a feel that will never quite be duplicated with computers, at least in my lifetime. One frame of color film is made up of three layers of emulsion. Contained in the emulsion are millions if not billions of light sensitive silver halide particles of all sizes and shapes. Each of these particles are affected by exposure to light. So, it follows that one frame of film can hold an almost infinite amount of information.

The CGI world or computer world operates in megabytes, gigabytes, terabytes, etc., it is just so totally different I don’t know how they can even be compared. Analog is analog and digital is digital. Analog, emulsion, is like a continuous line starting horizontally and continuing in a smooth curve to the vertical, the other, Digital, consists of ones and zeros in a line that looks like a stairway of horizontal and vertical steps to achieve the same end. They may be similar in the end but never really exactly the same.

What do you think of the modern blockbusters? Do you have a favorite director working in the business today?

As far as blockbusters go, I think George Lucas and Steven Spielberg changed the B movie world forever with their early special effects films. It seems that what would normally be a B movie now has to be made with millions of dollars worth of special effects in them. I would love to see the film industry get back to producing good solid films without all the spectacular effects. My all-time favorite motion picture personality is, hands down, Clint Eastwood.

I was fortunate to have worked with him on two films, during my career, in which he not only acted but directed. They are Dead Pool and True Crimes. It turns out that Mr. Eastwood, as a producer, director and actor is the most professional and loyal person I have ever worked for in the film business. I am not the only one who thinks this way, as many of my peers have expressed this view as well. On more than one occasion I was working with him on a multiple camera setup where he was satisfied with just one take, the first take, and we would then move on. This was so unlike most directors who would do multiple takes even if all concerned agreed that the take was good.

I think this is due to insecurity which seems not to be an issue with Mr. Eastwood. When the take is good and camera and sound agree, he is comfortable and secure enough to move on. He also was extremely loyal to the crews, many who have been with him for years. I also like his movies. He has produced so many and they are always entertaining and simplistic. So in my estimation, he is the best of the best and I only wish I could have done more productions with him and his company, Malpaso Productions, during my film career.

Read the interview in Italian

Esclusiva: intervista a Stewart Barbee, cameraman di Star Wars – Il Ritorno dello Jedi

Stewart Barbee Star Wars Esclusiva: intervista a Stewart Barbee, cameraman di Star Wars - Il Ritorno dello Jedi Esclusiva: intervista a Stewart Barbee, cameraman di Star Wars - Il Ritorno dello Jedi Stewart Barbee 2001 2
Stewart Barbee

Viviamo nell’epoca di Star Wars. Detta così suona ovvia, perché in realtà è da quando il primo mitico episodio è uscito nel ’77 che Star Wars ha sempre dominato il mondo. Ma ora che la saga ha ritrovato magico vigore e successo con Il Risveglio della Forza, l’affermazione suona più vera che mai.

L’uscita del nuovo episodio, per la prima volta guidato dalla Disney e diretto da J.J.Abrams, ha riacceso la passione in ogni angolo del globo, col risultato che tutti hanno voluto dire la loro, compresi noi. E allora ci siamo chiesti, perché non interpellare qualcuno che ha attivamente collaborato alla nascita del mito? Qualcuno che ha respirato l’aria del set nei gloriosi giorni in cui la prima trilogia vedeva la luce, in un’epoca in cui il mondo e il Cinema funzionavano in modo diverso da oggi.

Un recupero più che opportuno, dato che Il Risveglio della Forza, con la sua energia e brillantezza, rievoca senza timore lo spirito di quei tempi, facendo allo stesso tempo tesoro dei decenni trascorsi e proiettandosi verso un futuro molto promettente. Ed è qui che entra in gioco Stewart Barbee.

Stewart ha avuto una lunga e variegata carriera tra documentari e cinema (Star Trek II – L’Ira di Khan e Uomini Veri, per citare un paio di titoli) e, in qualità di cameraman degli effetti visivi della ILM, ha lavorato anche a Il Ritorno dello Jedi. Lo abbiamo raggiunto e gli abbiamo chiesto se potevamo intervistarlo, e lui ha accettato con entusiasmo rispondendo alle nostre domande, che spaziano dalla sua esperienza sul set de Il Ritorno dello Jedi alle sue impressioni sulle nuove tecnologie nel Cinema oltre, ovviamente, al suo parere su Il Risveglio della Forza! Nel corpo dell’articolo trovate anche alcune foto dal backstage che lui ha voluto condividere con noi.

Signor Barbee, può descrivere per favore come è entrato nel mondo di Star Wars?
Sono stato assunto all’Industrial Light And Magic (ILM) come cameraman per gli effetti nei primi anni ’80. La ILM era la divisione della Lucasfilm che ha prodotto gli effetti speciali di tutti i film di Star Wars. Era nata a Van Nuys, California, nel 1975. Dopo il primo film di Star Wars George Lucas spostò la compagnia a San Rafael, California, nel 1978. Poi rilevò un edificio in Kerner Boulevard e questo divenne la ILM fino a che la compagnia non si trasferì al Presidio in San Francisco, nel 2005. L’insegna davanti all’edificio diceva “The Kerner Company”, e rimase così per tutti gli anni che la ILM è rimasta lì. Questo fatto evitava che la gente capitasse lì dalla strada e potesse dare una sbirciata alle attività della ILM, e aiutò a tenere un basso profilo. La maggior parte della gente non aveva idea di cosa facessero in quel posto.

Io fui assunto durante la produzione di Star Trek II, che per lo più riguardava esplosioni di navicelle per le battaglie spaziali, etc, sebbene abbia anche filmato il modello dell’Enterprise per molte scene con effetti, incluso quello della velocità di curvatura. Questa fu molto complessa ed è tutta una storia a parte. Dato che ero un cameraman del posto con anni di esperienza, incluse riprese di combattimento durante la guerra in Vietnam, come anche tanta esperienza di riprese per filmati ad alta velocità in ambito sportivo, ero perfetto per il lavoro. Non andavo nel panico quando le cose esplodevano e conoscevo le dinamiche delle riprese ad alta velocità. Quindi facevo gli effetti per Star Trek II e poi ho cominciato a lavorare a Il Ritorno dello Jedi sotto il primo mago degli effetti di Star Wars, Richard Edlund, che era il principale responsabile degli sbalorditivi effetti che diedero il via alla rivoluzione di Star Wars. Può sembrare perverso, ma era divertente far saltare in aria tutte quelle navicelle spaziali.

Il Lato oscuro della scamorza: il barbecue ufficiale di Star Wars

Chi ha detto che i Sith non possono godersi un bel barbecue ignorante in un momento di pausa tra un’invasione intergalattica e l’altra? Nessuno. E infatti il retailer di gadget curiosi e oggettistica legata alla cultura pop The Fowndry ha da poco messo in vendita il barbecue Star Wars Death Star BBQ. Si tratta di un barbecue di acciaio inossidabile a forma della mitica Morte Nera, la gigantesca e micidiale stazione da battaglia spaziale dell’Impero Galattico. “Il Barbecue della Morte Nera ha il potere di annientare un intero pollo. Oppure, nelle mani giuste, di cucinare un intero banchetto all’aria aperta in classico stile sci-fi” recita l’ironica presentazione del prodotto. Questo BBQ ufficiale di Star Wars, decisamente nerd-friendly, ha un design decisamente accattivante che colpisce per la qualità del dettaglio. Inoltre vanta un’affidabile maniglia atermica per non scottarsi quando si solleva il coperchio. E come se non bastasse, celata dietro l’accurata riproduzione del temibile raggio laser della Morte Nera, c’è una valvola di sfogo termale che serve per regolare l’intensità di calore del BBQ ed evitare di trasformare una grigliata in stile sci-fi in un horror di serie z. Lo Star Wars Death Star BBQ è in vendita con la modalità preordine a 99 sterline. Verrà consegnato a partire dal 31 maggio.

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Steve Jobs – Recensione

La Terra di Mezzo, la Galassia Lontana Lontana… e ora il mondo di Aaron Sorkin. Dopo svariati film e serie tv all’attivo, tutti più o meno di successo e di qualità, lo si può ben dire. Da Codice d’Onore a The Social Network, passando per The West Wing e Newsroom, i suoi personaggi non viaggiano nell’Iperspazio e non cavalcano draghi sputa fuoco, ma hanno qualcos’altro che li distingue: ragionano e parlano a un livello superiore, hanno un cervello che è tre volte il nostro.

In questa perfetta partita a Tetris che risponde al titolo di Steve Jobs, come anche nelle precedenti opere scritte da Sorkin, ogni battuta è liscia e pronta per un incastro da manuale, e sempre affilata come un rasoio. A volte contiene ironia e anche il seme dell’equivoco, per creare un piccolo corto circuito pilotato all’interno del botta e risposta, per poi riprendere quota prima ancora che il ritmo se ne accorga. Senza mai perdere la visione di insieme: quella di un cinema action della parola, organizzato in brillanti coreografie di linee di dialogo e movimento degne delle scazzottate di Matrix, ben conscio che un intero film di gente seduta che chiacchiera sarebbe teatro filmato e non Cinema.

Da cui le famose camminate. Nel mondo di Aaron Sorkin, la gente parla tanto ma spesso lo fa mentre cammina per raggiungere un’altra stanza, in preda alla fretta o al panico. Dato che il Cinema, specialmente quello hollywoodiano, deve concentrare la vita in due ore, distillando l’esistenza in una sorta canzone pop radiofonica, occorrono ritornelli. Sorkin li sparge a piene mani sotto forma, per l’occasione, di piccoli bug di sistema (qui quasi ossessivo quello a proposito dei due Andy che si confondono, o quello della squadra dell’Apple 2), piccoli punti ciechi in cui lo Steve Jobs di Michael Fassbender incappa e sperimenta il problema dell’incomunicabilità, specie quando uno degli interlocutori è un genio e gli altri no.

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L’analisi più sottile del personaggio scaturisce proprio da queste scene. Steve Jobs, che inneggia tutto il tempo a un OS chiuso, non ampliabile e non compatibile, sta in realtà parlando di se stesso. Non a caso, molti dei duetti con gli altri personaggi terminano con lui che annuncia che verserà dei soldi sul loro conto. È una reazione esasperata e rassegnata, che gli altri fanno scattare in lui non appena inseriscono la password giusta, il più è trovarla. Ma coi dialoghi aumentati della ditta Sorkin la password giusta salta fuori, più prima che poi.

In tutto questo, il grande merito di Danny Boyle è contenere la sua solita verve registica senza per questo sacrificarla. Steve Jobs è il tipico lavoro su limiti autoimposti che produce un piccolo classico del genere, neutralizzando il rischio dello sterile esercizio di stile. Lo realizzi quando il regista inquadra una platea talmente vasta e vuota da suscitare vertigini degne dello spazio profondo: se avesse avuto una storia più mossa per le mani forse non avrebbe colto quell’immagine così forte e peculiare con tanta opportuna e kubrickiana geometria; o quando proietta un missile in partenza dalla rampa di lancio sul muro di un corridoio, dove i personaggi stanno solo parlando, senza che la cosa stoni affatto. È bello andare sopra le righe quando lo fai bene.

Steve Jobs Recensione Aaron Sorkin Steve Jobs - Recensione Steve Jobs - Recensione steve jobs review 3

Con Steve Jobs Boyle e Sorkin hanno anche fatto le due scelte radicali più giuste: scansare la formula “dalla culla alla bara”, scegliendo invece solo tre momenti chiave; e defenestrare a priori il discorso della maggior somiglianza fisica possibile. Nel mondo ingessato dei biopic è raro trovare tanto coraggio e buon senso tutti insieme. Ne esce un film instancabile nel ritmo e denso nel contenuto, che cattura il senso di anticipazione delle leggendarie presentazioni del guru della Apple, e riesce anche a sorprenderci con l’incredibile sproporzione tra meticolosità della preparazione e fiasco commerciale del prodotto di volta in volta lanciato, manco ci stesse raccontando la storia dell’ultimo dei perdenti.

Steve Jobs disintegra l’agiografia senza clamore, rendendo naturale un racconto sugli esseri umani intesi come tecnologia, osservati e studiati come processori più o meno compatibili e prevedibili nella loro debolezza. Non c’era autore più adatto di Sorkin, coi suoi dialoghi sempre a un passo dal collasso per perfezione sopraggiunta, per rinfrescare una figura così carismatica. Nello stesso tempo, il genere biopic si scrolla di dosso la dittatura delle protesi facciali, del metodo ostentato e delle luci smorte con un urlo liberatorio. Ed è una vittoria che durerà ben oltre la stagione dei premi.

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Creed – Recensione

In qualità di settimo episodio della saga, Creed contiene un messaggio inequivocabile a proposito di tutta la serie Rocky. Chiamatelo meta-cinema involontario o semplice sovra-interpretazione, ma se dopo quarant’anni il risultato è questo, la verità si impone senza sforzo: Il primo Rocky, anno 1976, è un film talmente buono e giusto che l’unica cosa che si può fare è ribadirlo e celebrarlo ancora, e ancora, e ancora. Perché è semplicemente un prodotto culturale e di intrattenimento troppo bello per dimenticarlo nel passato.

Creed è essenzialmente questo, un party a sorpresa dopo il party principale, perché a quanto pare nessuno, Stallone in primis, è pronto a lasciare questa festa. Ma è anche vero che il tempo passa, in questo caso quattro decadi e un miliardo di satelliti sparsi nella galassia della cultura pop a tutti i livelli. Come si possono protrarre all’infinito le danze senza annoiarsi? E se poi perdiamo il gioco di gambe? Creed fornisce la risposta.

Un punto di vista diverso sul mondo di Rocky, per la prima volta relegato a spalla, lui che di spalle d’acciaio ne aveva consumate parecchie: Mickey, Apollo, Adriana, Paulie, tutti finiti puntualmente al cimitero, ma tutti tatuati, vuoi su un’insegna o semplicemente su una lapide, sul corpo della città. Con Creed il pubblico ha l’occasione di farsi un’altra corsa nel mondo del campione di Filadelfia, senza l’imposta aggiunta di rivederlo in un sempre più improbabile training montage.

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Creed è la vita di Rocky senza il peso di essere Rocky, ammesso che quel momento possa mai arrivare, e la dimostrazione, stavolta sulla pelle dell’eroe in persona, che un ruolo spalla può essere anche protagonista. Del resto, alla fine del primo, storico capitolo era riuscito a far combaciare vittoria e sconfitta, scarrozzando il finale ben oltre le barriere bidimensionali del bene e del male.

Creed è anche il credo di una serie di culto, che stavolta riflette su se stessa a cominciare dal titolo, e racconta la storia di Rocky attraverso gli occhi di Apollo, o meglio della sua approssimazione più vicina, suo figlio. Tra amici a volte si fa così, e a volte ci si espone all’errore. Un peccato veniale, ma se vogliamo trovare il problema in questo nuovo racconto è proprio quello di porsi nella scia per ciò che c’è di più valido, e innovare solo dove costa poco, e non sempre per il meglio.

Il giovane Adonis Creed, infatti, è un tir impazzito che usa il roccioso Rocky come guard-rail. Non deve imparare a combattere, lo sa già fare meglio di chiunque, e lo fa con una violenza sfolgorante. Certo, imbrigliare la rabbia e trovare nel vecchio mentore una figura paterna sono tutte cose da manuale dell’eroe, ma la posta in gioco non assurge mai alle vette esistenziali a cui Stallone ci aveva abituati, riducendosi qui all’evitare di fare una figuraccia con il cognome del padre sui calzoncini.

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La regia, la brillantezza delle battute, e il gran spolvero tecnico e visivo fanno un gran bene al film, ma è difficile non pensare che i virtuosismi della camera sono più grandi del momento che stanno raccontando, una scatola troppo larga per il contenuto effettivo. E, per quanto abbiano azzeccato al millimetro la quantità di citazioni più o meno dirette alla mitologia della saga, è l’intensità dei ricordi ad essere incerta, con almeno un elemento da giocarsi con mano più pesante: la colonna sonora. Senza le note gloriose e malinconiche di Bill Conti, qui retrocesse da struttura portante a momenti sporadici, il mito mancino di Rocky ha il braccio sinistro legato, è un pianoforte senza i tasti neri.

Creed però funziona, solo che gioca nei medio-massimi, e lo fa con la giusta dose di riverenza. Nulla di nuovo, è da secoli che il primo Rocky attira a sé tutti i sequel, forte del suo campo gravitazionale perpetuo. Succede quando te la fai coi migliori. Nota a margine: il momento più commovente? Quando Rocky Stallone mostra la foto di suo figlio, Sage Stallone, realmente scomparso nella vita reale e semplicemente trasferito nella narrazione, e dice”ora vive in un altro posto, è felice e io sono felice per lui.” Anche stavolta Sly si è messo tutto in gioco.
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Il Duca Bianco è morto, viva il Duca!

Per chi ancora non se ne fosse accorto è morto David Bowie.

David Bowie fu ogni cosa: artista, polistrumentalista, compositore, produttore ed attore.

Toccò qualsiasi forma d’arte e le donò la vita eterna.

Sentii sempre parlare di lui ma la sua musica non arrivò mai alle mie orecchie, non prima di aver visto un film che mi introdusse e mi raccontò gli anni d’oro di David Bowie: Velvet Goldmine.

Velvet Goldmine di Todd Haynes  Il Duca Bianco è morto, viva il Duca! 33360Uscito nel 1998, terzo film di Todd Haynes, lo stesso regista di Io non sono qui e di Carol, Velvet Goldmine è forse l’unico film che racconta il fenomeno culturale e musicale del Glam rock negli anni 70 in tutto il Regno Unito.

La pellicola racconta la figura della star Brian Slade, interpretato da Jonathan Rhys Meyers, che misteriosamente scompare dopo aver inscenato la propria morte nel suo ultimo concerto.
Attraverso le indagini del giornalista Arthur Stuart (Christian Bale), che ripercorrerà il suo passato giovanile negli anni ’70, verremmo a conoscenza dei più profondi ed intimi segreti che circondavano la star.

Inutile dire che la figura di Brian Slade è ispirata liberamente a quella di David Bowie e che non mancheranno inoltre personaggi rappresentativi di quel particolare periodo, anche se verranno ricordati dal solo personaggio interpretato da Ewan McGregor. Il tutto è contornato da bellissimi costumi glamour che valgono quanto una nomination all’Oscar, dalla costante influenza di Oscar Wilde, alle bellissime clip che accompagnano le musiche di Brian Eno, di Lou Reed, ma anche dei T-Rex, dei Roxy Music fino alla presenza dei Placebo e di Thom Yorke.
Errore in cui si potrebbe incorrere è quello di considerare la pellicola come la biografia di David Bowie il quale tra l’altro si affrettò a smentire ogni tipo di richiamo alla sua presunta omosessualità e non concesse i diritti per utilizzare diverse canzoni nel film.

Rimane comunque una pellicola che testimonia l’impatto culturale portato dall”uomo delle stelle‘.

Poster del film La grande scommessa

La grande scommessa – Recensione

And the Oscar goes to…la crisi economica! Scroscio di applausi, mentre la crisi economica, da qualche parte nella sala del Kodak Theatre, si alza in piedi, abbraccia i vicini di poltrona e si incammina verso il palco per ritirare la preziosa e iconica statuetta. Vi sembra assurdo? Eppure non lo è più di tanto, anche se l’Academy al momento non contempla la categoria “miglior fenomeno socio-economico protagonista”. La grande scommessa scommette che prima o poi succederà. Certo non è la faccia tosta a mancare a questo film.

Quella, per esempio, di esibire un cast prestigioso, Christian Bale, Brad Pitt, Steve Carell e Ryan Gosling, per poi ridurre i loro personaggi a formiche in un formicaio, con tocco quasi Malickiano: come ne La Sottile Linea Rossa la guerra rubava la scena alla mezza Hollywood presente nel cast, così qui la crisi economica con tutta la sua Babele di leggi di mercato, frodi, sotterfugi e tecnicismi non lascia scampo a nessun rivale. O meglio, non lascerebbe scampo, perché gli aspiranti rivali in realtà non ci sono.

Certo, Christian Bale è bravo e si diverte nel suo ruolo, ma non basta a rendere digeribile la matassa di spiegoni e contro-spiegoni di scienza finanziaria che dirottano di continuo le interazioni tra i personaggi e la storia stessa, in un incessante cambio di focus da una scena all’altra. Qualunque afflato umano ne esce annichilito, l’emotività cede il passo al bozzettismo e ai tic esasperati che nelle intenzioni dovrebbero essere la spina dorsale di una satira brillante. Il montaggio in preda all’ansia da prestazione, le inquadrature sporche e l’esibita autoconsapevolezza definiscono il carattere del film, condannandolo a patire tutti i limiti di uno stile tanto invadente. Effetto voluto?

La grande scommessa Recensione  La grande scommessa - Recensione the big short 2

Per lo meno accettato, si direbbe. La grande scommessa non tiene certo il piede in due staffe, va riconosciuto. Come va riconosciuto che la satira è un genere impegnativo, impegnato e poco sentimentale. Ma anche stando alle regole, se lo chiedete a me, è sempre bene affidarsi a personaggi forti, che conducano il pubblico tra le insidiose pieghe del tema in questione e funzionino da interfaccia e catalizzatori. Tutti o quasi subiscono gli effetti della crisi globale, ma non tutti hanno voglia di capirla su base puramente tecnica.

Viviamo nell’epoca in cui ogni attività del quotidiano viene addomesticata e arrangiata in modo da farne un reality, che è un format per lo più deleterio, ma almeno ci ammonisce sempre a trovare una connessione emotiva tra l’essere umano e ogni sua attività o pensiero. Se anche non si vuole scomodare il Cinema di maggior qualità come maestro, basta rivolgersi alla tv più generalista. La grande scommessa ha fatto la sua scelta, ora tocca al pubblico.

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